Hé oui, je suis allé voir cette semaine le second volet des aventures de Robert Langdon.  J’y suis allé, je vous avoue, plein d’espoir. Car au risque de peiner mon estimé collègue Blogue l’Éponge, grand adorateur de littérature devant l’éternel (en espérant que cette plogue me fasse pardonner le reste de ma phrase ), j’avais plutôt apprécié le roman Anges & Démons. Du moins, il m’avait plus accroché  que Da Vinci Code et ce malgré ses invraisemblances (allô, c’est quand même du Dan Brown !), cette course à la montre m’avait davantage satisfait que cette mille fois entendues supposition de relation entre Jésus et Marie-Madeleine (car, au cas où vous ne le sachiez pas, certains exégètes proposent cette théorie depuis fort longtemps). Force est de constater que je suis sorti du cinéma avec cette déception aux lèvres…

Alors, rappelons l’histoire: Robert Langdon, spécialiste des symboles religieux, se fait appeler par le Vatican. Un vieil ennemi de l’Église, les Illuminati, semblent s’être levés et avoir préparé une vengeance contre le Vatican. Langdon, étant spécialiste, est vu comme le seul espoir de la police du petit état au coeur de Rome. Alors que les cardinaux entrent en conclave, une course contre la montre est déclenchée alors que les 4 “preferatis” (cardinaux davantage susceptibles de devenir pape) ont été enlevés et que le ou les ravisseurs déclarent qu’à chaque heure, un de ceux-ci mourra. Pire encore, à minuit, une bombe d’antimatière risque de faire éclater la cité du Vatican… C’est pourquoi une jeune scientifique du CERN, Vittoria Vetra, aidera Langdon dans sa quête pour retrouver les preferatis et, surtout, la bombe d’antimatière (sa spécialité).

Déjà, au départ, le film change le début de l’histoire et c’est un peu bizarre. Dans le roman, Langdon était appelé alors que le père adoptif de Mlle Vetra était assassiné et on retrouvait sur sa poitrine la marque des Illuminati. Or, ici, c’est le Vatican qui l’appelle… Hum, hum… Sa compter la finale très différente du livre. Ça en est presque choquant. Car qu’on enlève des parties de l’histoire “choquante pour l’Église”, OK. Qu’on laisse supposer que cette histoire se passe après le Da Vinci Code (alors qu’Anges & Démons a été écrit avant mais a connu un succès après le Da Vinci Code), d’accord. Qu’on supprime le flirt entre Langdon et Vetra, pas de problèmes. Mais qu’on change des parties de l’histoire comme ils l’ont fait… Ouh… Les amateurs du roman seront forcément déçus de la chose. Surtout de voir passer un camerlingue italien dans le roman à britannique dans le film !

Beaucoup des critiques du film “Da Vinci Code” était sur son aspect verbeux, le peu d’action. Hé bien, Anges & Démons fait exactement le contraire: on élimine une grosse partie de dialogue et on remplace le tout par une course contre la montre nerveuse qui fait penser à un “24″ dans un cadre européen. Sauf que le problème est que le roman de Brown emmenait quand même une idée intéressante: est-ce que la science et la religion sont opposées ou plus proche qu’on le croit ? Ici, à part quelques lignes sur le sujet, on saute toute cette partie pour montrer des meurtres et de la  tension. Car, si effectivement, on ne peut pas dire qu’on s’ennuie, dieu que la réalisation de Ron Howard est artificielle, sans âme. On sent le film de commande, sans plaisir, sans démontrer  d’intérêt pour le propos. Ah bien sûr, serait-ce sa frustration de ne pas avoir pu tourner à Rome son film ? Peut-être. Pourtant, la plupart des décors sont super bien recréés (mise à part quelques plans de la place St-Pierre-de-Rome, clairement faits par ordinateur) et on s’y croirait malgré tout.

Parlons performances. Tom Hanks se débrouille encore dans la peau de Langdon et même s’il ne s’agira pas du rôle de sa carrière, il insuffle assez de caractère et de passion pour que sa performance reste crédible. On ne peut pas en dire autant de Ayelet Zurer dans le rôle de Vittoria Vetra qui semble s’emmerder et se demander ce qu’elle fout dans cette galère (sans compter que son doublage québécois, fait par Marina Orsini est pitoyable à mon avis). Quant à Stellan Skarsgård, un acteur pourtant intéressant, il semble mal à l’aise dans son rôle, ne sachant pas trop sur quel pied danser. Alors, il alterne entre boudeur et frondeur sans vraiment cerner son personnage. Quant à Ewan McGregor, l’effort est là et on ne peut dire qu’il en sort amoché de cette expérience. Pourtant, je n’ai pas l’impression qu’il a suivi la même préparation pour jouer ce prêtre que l’a fait Philipp Seymour Hoffman pour Doute… Je souligne, par contre, la performance de Armin Mueller-Stahl, très intéressant en Cardinal Strauss.

L’emballage du film est, comme je le disais, intéressant mais trop froid pour passer à la postérité. Si certains plans sont magnifiques, d’autres sont un peu gâchés par ce manque d’âme souligné plus haut. La musique, qui reprend beaucoup de thèmes du Da Vinci Code, est plutôt moyenne. Certains bons morceaux, mais parfois, elle est trop classique dans le genre. Quant à récupérer le thème de “Da Vinci Code” pour le générique… j’aurais préféré un autre thème pour se dissocier du premier opus.

Alors, est-ce mauvais ? Non, je n’irais pas jusque là. Sauf que franchement, je croyais que le film dépasserait Da Vinci Code à tous les niveaux et pourtant… Je suis encore à me demander lequel des deux est le meilleur finalement. Peut-être que le Code était trop verbeux, mais Anges & Démons possède tellement peu d’âme et se détache tellement du matériel d’origine avec certains de ses choix que franchement, on en ressort déçu si on a lu le roman. Il y a eu pire au niveau cinématographique, mais on ressort avec la sensation que ce film aurait pu être meilleur en tant que thriller religieux… Peut-être qu’à vouloir être trop gentil avec l’Église, on a dilué l’oeuvre. Après tout, quand le journal officiel du Vatican déclare que le film est un “divertissement innocent” alors qu’ils ont dénoncé sans gêne le roman comme un outrage à l’Église, c’est qu’il y a un solide décalage entre les deux.

Verdict du Satellite: 7/10. On a droit à une poursuite nerveuse en plein dans une (fausse) Rome, à quelques oeuvres d’art révélant des “secrets”, à des rebondissements, mais le tout dans un paquet sans âme, se détachant de l’oeuvre d’origine. Je me permets un dernier commentaire* (qui contient des “spoilers”) après le billet du jour.

Le billet du jour: Je vous propose de lire la critique de Gradlon sur le même film. Pourquoi ? Parce qu’il vaut mieux lire plusieurs avis pour se faire une idée et je suis loin de posséder la science infuse en critique. De plus, la critique est intéressante, alors on ne se gêne pas !

* *Attention spoilers*

Un conseil à Dan Brown pour son prochain livre qui sortira, selon les rumeurs,  cet automne: arrête d’utiliser la même technique, c’est-à-dire un assassin qui travaille pour un personnage principal qui se révèle, à la fin, être le grand méchant, le tout en détournant les soupçons sur un autre personnage principal. Franchement, avec le Da Vinci Code et Anges & Démons, tu as utilisé deux fois la même technique. Ça serait le temps de changer, pour nous surprendre…

Une autre critique cinéma, je sais, mais comme j’ai vu le film hier, je ne voulais pas l’écrire plus tard et oublier des éléments…

Donc, oui, hier soir, je suis allé là où la main de l’homme n’a jamais mis le pied… euh, pardon… au-delà de l’espace connu par l’homme. Comme je l’avais déjà dit auparavant sur ce blogue, je ne suis pas un “Trekkie”. Absolument pas. En fait, mis à part que je connaissais les noms de l’équipage du fameux U.S.S. Entreprise, le reste m’était totalement inconnu.

Alors, l’histoire de ce Star Trek ? Comme vous le savez, un peu comme la saga de Batman, on reprend l’histoire à zéro ou presque… En effet, difficile de reprendre à zéro une histoire si suivie par une horde de fans, d’un univers bâti sur une série télé très connue, six films bien comptés et des dizaines de romans sur l’univers. En fait, si, il y a un moyen facile de le faire: utiliser le voyage dans le temps qui altère la réalité et l’idée d’univers parallèle. Ainsi, le Kirk de ce onzième film de Star Trek n’a pas vécu la même chose que le Kirk qu’a interprété William Shatner. Même chose pour Spock et les autres personnages. Ainsi, on retrouve un jeune Kirk plutôt arrogant et rebelle qui se promet de devenir capitaine de vaisseau. Son comportement énerve l’Académie Starfleet et particulièrement Spock, le Vulcain, pour qui les émotions trop fortes de Kirk sont “illogiques” et dangereuses. Or, ceux-ci devront s’allier lorsque Néro, un Romulien (espèce d’extra-terrestre proche des Vulcains) venu du futur, viendra menacer la Terre pour se venger de la destruction de sa planète dans le futur…

Quoi ? L’histoire tient sur une serviette de papier ? Absolument. C’est peut-être d’ailleurs le gros problème de ce Star Trek: si on met bien la table pour les personnages et une suite déjà prévue pour une sortie à l’été 2011, où se trouve l’histoire ? Ah ! On ne peut pas dire que l’histoire est nécessairement prévisible, au contraire, on est parfois surpris de la tournure des événements. Cependant, la trame narrative du bien contre le mal est si faible qu’une chance qu’il y a les éléments d’histoire suivant l’évolution de Kirk et Spock qui nous tiennent intéressés, sinon on sortirait de la projection un peu déçu.

Parlons interprétation. La plupart des acteurs et actrices s’en sortent plutôt bien. Chris Pine en Kirk s’avère plus charismatique que le laissait présager les photos et bandes-annonces. Zachary Quinto en Spock est étonnant de ressemblance avec Léonard Nimoy (qui se permet d’apparaître dans le film dans son rôle qui l’aura marqué à vie), cependant, c’est peut-être celui qui apprécie la série “Heroes” qui parle, mais je ne pouvais m’empêcher par moment d’imaginer Spock devenir un Sylar de lui-même et ouvrir la tête de quelqu’un pour lui prendre son pouvoir… M’enfin. Quant aux autres, on soulignera que le personnage de Uhura (Zoe Saldana) est plus développé que prévu. Karl Urban semble s’amuser comme un petit fou à jouer le grognon Docteur McCoy. Par contre, il faudra sincèrement que le prochain volet ajoute de la chair autour de l’os des Sulu (John Cho), Chekov (Anton Yelchin) et Scotty (Simon Pegg) parce que s’ils jouent bien leur rôle, leur part est tellement mince contrairement aux autres… Particulièrement pour Pegg, amusant mais qui cabotine trop. À se demander si ce n’est pas parce qu’il apparaît plutôt tard dans le long métrage de 2 heures…Et un gros carton rouge à Éric Bana pour son Néro tellement caricatural que ça en est pathétique: ouh, je suis un extra-terrestre frustré avec tatous dans la face et grosses lentilles cornéennes noires pour que mes yeux fassent peur ! On ne regrettera pas ce méchant de pacotille qui n’est qu’un faire-valoir à l’histoire principale: la formation de l’équipage de l’Entreprise pour d’autres aventures.

Parlons technique. Visuellement, rien à dire. Les effets spéciaux sont admirables et étonnamment bien dosés si on compare à une trilogie de Star Wars (Épisode 1 à 3) qui ne faisaient qu’accumuler les effets spéciaux jusqu’à nous rendre malades. La réalisation de J.J. Abrams se veut dynamique, c’est peu de le dire et malgré un film de 2h, on ne peut pas dire qu’on s’ennuie. Par contre, à certains moments, la caméra bouge beaucoup, beaucoup trop. Au point que l’action devient chaotique et insuivable (un peu comme la bataille finale de l’indigeste Transformers)… À corriger pour le prochain. Autre aspect technique qui m’a dérangé: le mixage sonore. Bon, je sais qu’on est au cinéma et qu’au cinéma, tout est plus fort et plus intense. Sauf que le mixage sonore m’a donné mal à la tête: les effets sonores beaucoup trop accentués, à me percer les tympans. Comment dire ? Trop de tentative de catharsis tue la catharsis. Franchement, les bruits insupportables de tirs, de coups et d’explosion me rappellaient que j’étais dans un cinéplex et non dans l’espace. La musique aussi se trouve par moment mal dosée au niveau du mixage et – pour les fans de Lost (Perdus) – vous reconnaîtrez entre autre un morceau de musique qui semble tout droit sorti de la série. Normal puisque le compositeur du film, Michael Giacchino, est le même que celui de la série. Une chance que le niveau des dialogues est bien balancé, lui. Au niveau de la musique, cependant, je peux quand même dire qu’on s’en sort. Ce n’est pas mémorable, mais ni insupportable de médiocrité.

Bref, est-ce que je conseille de voir Star Trek ? Oui, et particulièrement pour les non Trekkies (les Trekkies trouveront probablement de quoi à redire) qui ne sont pas familiers avec l’univers. Sauf que pour apprécier davantage le film, il faut presque le voir comme un long prologue pour une aventure à venir en salles dans 2 ans environ… Parce que sinon, on ressort forcément un peu déçu de la trame scénaristique qui tient sur un biscuit soda à peu près (et qui explique peut-être son méchant en carton pâte). Oh, et je me permets une autre remarque aux scénaristes américains: plus capable d’entendre la maudite phrase “tu dois écouter ton coeur”. Y as-tu plus cliché comme phrase ?! On dirait qu’ils essaient de donner la morale aux Américains d’être plus sensible, mais vous voyez bien que ça marche pas depuis le temps que vous utilisez cette phrase ! Ils écoutent leurs sous, pas leur coeur. Alors, je propose un moratoire: pas de “tu dois écouter ton coeur” ou ses variations pendant 3 ans. Interdit de la trouver dans quelconque scénario sous peine d’emprisonnement pour “cliché le plus horrible jamais utilisé”.

Verdict du Satellite: 7.9/10 (8.2/10 si on ne m’avait pas démoli les tympans pendant 2 heures…). C’est loin d’être un échec, mais il faudra plus de consistance dans les personnages et l’intrigue pour le prochain Star Trek.

Ah, je l’avais dit qu’une critique de cinéma viendrait sur le blogue sous peu ! J’ai écouté samedi dernier, le film Doute (Doubt) de John Patrick Shanley, un film basé sur sa pièce du même nom, mettant en vedette Meryl Streep, Phillip Seymour Hoffman et Amy Adams.

Bon, comment faire un résumé sans trop en dévoiler ? On va rester vague. À l’aube de Vatican II,  l’école chrétienne St. Nicholas du Bronx à New York est dirigée par une soeur autoritaire, soeur Aloysius (Meryl Streep). La paroisse étant dirigée par le prêtre Brendan Flynn (Phillip Seymour Hoffman), un curé progressiste, soeur Aloysius  a beaucoup de mal avec ce vent de changement, particulièrement en voyant la jeune soeur James (Amy Adams) qui semble autant respecter les valeurs traditionnelles que les visions progressistes du curé. Or, un jour, soeur James croit percevoir un comportement suspect concernant le prêtre et un élève noir (le premier que l’école reçoit). Aussitôt, soeur Aloysius y voit là le péché suprême mais elle n’a aucune preuve. Seulement un doute… Et ce doute sera le début des hostilités entre le curé et la soeur.

John Patrick Shanley l’a déjà dit en entrevue, en parlant de sa pièce:

J’avais le sentiment d’être entouré par une société saturée de certitudes. Tout le monde avait une opinion tranchée sur tout, mais il n’y avait pas réellement d’échange, et si quelqu’un avait le malheur de dire ” je ne sais pas “, il était aussitôt méprisé et mis au ban des médias. Cette posture d’assurance et de certitude s’est accentuée dans notre société, au point qu’une fissure a fini par apparaître. Et cette fissure, c’est le doute. J’ai alors décidé d’écrire une pièce célébrant le fait qu’on ne peut jamais être certain de rien. J’avais envie d’explorer l’idée que le doute est par nature illimité et changeant, qu’il peut se développer et se modifier, alors que la certitude est une impasse. Là où il y a certitude, il n’y a plus de conversation possible, et c’est la conversation qui m’intéresse, parce qu’on pourrait aussi désigner cette conversation par un autre mot : la vie.

Ce n’est donc pas un film sur les scandales de l’Église plutôt que sur le doute. Car voilà ce qui fait le charme du film: le doute. Au départ, on doute de l’humanité de soeur Aloysius, très à cheval sur le règlement. Ensuite, on doute sur le père Flynn: il est vrai que certaines paroles sont étranges et il n’a pas l’air de tout dire. Finalement, on se retrouve un peu comme soeur James, à jongler entre ces deux protagonistes. Enfin, jusqu’à une scène qui fait voir TOUT LE FILM d’une manière différente. Et je ne dirai pas laquelle, c’est trop important de la voir sans en avoir entendu parler avant. Car elle change notre vue sur le film. Au point que finalement, en tant que spectateur, je ne sais plus trop où me placer. J’aurais envie d’en jaser longuement avec des gens tellement c’est venu me troubler et que je m’y attendais, mais alors là, pas du tout. Sans compter la troublante fin aussi qui possède encore plus matière à discussion.

Le film est austère dans ses couleurs, ses choix de plans. Excellents choix qui représentent bien la vie dans une école catholique des années 60.La musique du film, composée par le talentueux Howard Shore, est intéressante, très subtile même si pas très transcendante malheureusement. Même adapté d’une pièce, le film reste beaucoup plus fluide, l’auteur/réalisateur passant d’une pièce à 4 personnages pour agrandir la palette de personnages, d’actions et même de plans extérieurs. Forcément, certaines scènes sont verbeuses, mais on appréciera, je crois, ces échanges corsés. Particulièrement entre Meryl Streep (efficace et très humaine dans son interprétation) et Phillip Seymour Hoffman… Quel acteur, mes amis, quel acteur ! Depuis le début, je suis surpris par ses rôles (dans Capote, il m’a jeté par terre) et encore une fois, il touche juste avec son rôle de curé aux visions progressistes mais troublant à la fois… Ah, encore et encore ! Je trouve presque qu’il n’y a pas assez de scènes avec lui dans le film. Quant à Amy Adams, elle joue correctement cette naïve et touchante soeur James même si franchement, elle joue beaucoup sur le même ton tout le long du film. Par contre, Viola Davis crève l’écran et je ne peux dire pourquoi sans risquer de dévoiler des surprises, mais franchement, sa présence est excellente.

Alors, ce film, il vaut la peine ? Oh que oui ! Uniquement pour toutes les discussions qui peuvent survenir de l’écoute de ce film, pour les interprétations magistrales de Hoffman et Streep, pour certaines images du Bronx en automne et en hiver qui sont magnifiques (on sent que le réalisateur connaît ce quartier), vraiment ça vaut la peine. Évidemment, encore une fois, ce n’est pas un gros “blockbuster” devant lequel on s’assoit sans réfléchir. Il faut être prêt à faire actionner ses neurones durant ce film qui ne donne pas de réponses (fait rare dans un cinéma américain qui s’oblige à répondre à toutes les questions du spectateur) et qui apporte ce que dit son titre: le doute. L’horrible doute qui viendra vous plonger dans de terribles questionnements, non seulement sur les événements du film, mais sur notre société de certitude également.

Verdict du Satellite: 9.6/10.

Ça faisait longtemps que je n’avais pas fait une critique de film, je trouve. Et puis, ce soir, je regarde “Funny Games (US)”, un remake plan par plan du film original autrichien fait par Michael Haneke (qui a aussi réalisé ce “remake”).

L’histoire ? Assez simple. Un couple et leur fils s’en vont dans leur maison de campagne pour les vacances. Or, arrive chez eux deux jeunes hommes, ma foi, assez bizarres… qui vont s’avérer être de “gentils” psychopathes et jouer à des jeux macabres avec eux.

Raconté comme ça, on dirait un film d’horreur “cheapo” à la “Halloween” ou “Vendredi 13″. Sauf que non. Ce film ne se veut pas film d’horreur. Film sur la cruauté et la violence, certes. Mais rien pour satisfaire les soifs d’hémoglobine (ou si peu), alors ceux qui rêvent de scènes de torture à la “Saw” (Décadence)… passez votre chemin. Je vous avoue sincèrement que j’étais très heureux pour ma part que ça ne vire pas en “scènes de torture physique insoutenables”. Par contre, pour ce qui est de la violence psychologique… Ça fesse rare. Car cet “ode” à la cruauté a quelque chose d’hypnotisant, de fascinant et de remuant. Premièrement, il n’y a aucune musique tout le long du film. Mais vraiment aucune. Il n’y a que le silence (ou parfois la télé en sourdine). C’est tout. Ce qui rend le tout presque comme un documentaire. Deuxièmement, les plans fixes ou presque. Le montage est fait de telle sorte qu’il y a peu de changement de plan (sauf peut-être dans certains dialogues et encore). On peut rester plusieurs secondes ou minutes sur une scène fixe où ça bouge mais la caméra reste là, immobile, voyeuse… Troisièmement, comme je le disais, la violence n’est pas présente, mais suggérée de manière tordue. Tout d’un coup, le bruit d’une carabine qui tire fait sursauter tellement le son est sourd et violent (comme ça l’est dans la vraie vie). Finalement, il faut parler de ceux psychopathes… Vraiment uniques… Je ne saurais les décrire. Ils sont tellement fous à lier et lucides, ça en est terrifiant. Pour eux, le titre le dit: on joue. Tout cela, c’est un énorme jeu… mais planifié de A à Z. Mais leurs dialogues sont dignes d’un schizophrène ou d’une pièce de Ionesco. Ça saute du coq-à-l’âne comme ce n’est pas permis, un des deux personnages s’adresse directement au spectateur à certains moments clés du film… Bref, leur interprétation (et celle des membres de la famille) rendent le tout à fleur de peau.

Tim Roth (Source: Allôciné.fr)

Là où ça coince, c’est le message peu subtil lancé. Effectivement, le film se veut une charge contre la violence médiatique. Jusque là, rien à dire. Sauf que le réalisateur s’attaque (de manière peu subtile, j’ai trouvé) à deux cibles: les jeux vidéos (une référence assez claire faite par un de deux psychopathes qui dit : “Joueur 1, deuxième niveau”) et la musique death metal, le hard metal. Entendons-nous bien: je suis loin d’être le plus grand fan de musique métal dans le monde. Je connais, par exemple, un blogueur qui s’y connaît plus que moi en la matière et aime bien plus que je ne peux aimer. Sauf que cette attaque en règle contre ces deux cibles, c’est tellement… facile. Je trouve qu’on est tombé à côté de la track. On s’entend tu que ça prend plus que des jeux vidéos et de la musique heavy metal pour tuer des gens ? Ça prend une perte d’humanité déjà à la base dans le psyché de ce genre de personne… Je veux dire, ça m’arrive et m’est arrivé d’écouter de la musique heavy metal et je joue parfois à des jeux vidéos qui peuvent, ma foi, être assez violent merci. C’est drôle, il ne me vient pas l’idée pour autant de tuer quelqu’un. Bref, il aurait été appréciable de sortir de ces clichés, j’ai pour mon dire.

Il n’empêche que le film, malgré son message un peu irritant à cause du manque de subtilité, vaut la peine de s’y attarder. Ne serait-ce que pour la “claque” cinématographique qu’il donne, l’interprétation incroyable des acteurs et la réflexion qu’il amène. Évidemment, pour les amateurs de films d’horreur où quelqu’un doit mourir atrocement tous les 10 minutes, on s’abstient. Le rythme est lent et se veut comme tel. Ce qui n’est pas une mauvaise chose car malgré cette lenteur relative, on regarde très peu sa montre, trop fasciné par ce qui se passe à l’écran.

Verdict du Satellite: 8.5/10

En terminant, je me permettrai un commentaire. Autant je déteste la cruauté dans la réalité, autant dans la fiction, elle me fascine. Je ne saurais trop dire pourquoi. Peut-être parce que l’idée qu’un humain puisse descendre, perdre son humanité au point de considérer le meurtre ou la torture comme une chose normale me fascine (et m’effraie à la fois).  Je veux dire, j’ai lu des romans comme Misery de Stephen King (une infirmière  qui séquestre son auteur favori pour l’obliger à continuer une suite de sa saga qu’il a achevée) ou les 7 Jours du Talion de Patrick Sénécal (un père dont la petite s’est fait tuer et violer séquestre l’agresseur de sa fille pour le torturer, d’ailleurs une adaptation cinématographique s’en vient) d’une traite avec horreur et à la fois fascination. M’enfin, je suis peut-être un grand malade aussi. Ça doit être tout ce heavy metal et ces jeux vidéos…

Le billet du jour: Puisqu’on parle cinéma, je voulais souligner MFL qui nous annonce dans ce billet avoir obtenu tout récemment le titre de “Maître” en études cinématographiques (bref, maîtrise complétée). Je trouvais ça le fun à souligner, même si je ne suis qu’un simple bachelier. Bravo encore, en tout cas  !

J’en avais jamais parlé avant et la finale de la série ce soir me donne une bonne occasion d’en parler. Ah, Les Invincibles… Série qui a fait jaser – c’est peu de le dire – dans ses débuts mais qui s’est rapidement imposée comme une des meilleures séries que Radio-Canada a diffusée depuis longtemps.

Bon, au départ, je vous avoue que je voyais les promos de la première saison de la SRC et je voyais les acteurs (François Létourneau, Patrice Robitaille, Rémi-Pierre Paquin, Pierre-François Legendre) et j’avais l’impression de retrouver pratiquement un Québec-Montréal 2 avec Rémi-Pierre Paquin s’étant ajouté… Ce qui ne m’attirait pas beaucoup. Et en plus, les premiers épisodes de ces grands attardés ayant peur de la vie conjugale m’ont laissé froid. Pire, j’ai failli débarquer, écoeuré de voir à la télé (et au cinéma) des histoires de gars de 30 ans en montant qui font de l’urticaire en entendant les mots “vie de couple”.

Mais c’était mal connaître les auteurs qui ont su rapidement – une chance ! – mettre des rebondissements, des tournures imprévisibles qui font que nous sommes restés “scotchés” à nos sièges pendant 3 saisons, 3 saisons qui n’ont fait que se surpasser au fil du temps. D’ailleurs, la dernière saison est à mon avis  la meilleure (même si elle commençait plus lentement si on compare à l’excellente saison 2) surtout avec ses rebondissements incroyables et à en juger de l’auto-promo, on aura droit à une finale probablement émouvante ce soir. Est-ce que ça sentirait la tragédie ? Après tout, on nous repasse dans la promo la fameuse scène de la saison 1 où Carlos dit – peut-être prophétiquement : “J’ai l’impression que ça va mal finir.”

Ah… Ces 4 Invincibles… Ils auront marqué l’histoire télévisuelle. Surtout qu’après 3 saisons, on se demande toujours quoi en penser: égoïstes, losers, ados attardés ou êtres sensibles, en quête d’eux-même, insaisissables ? De nombreuses thèses viendront probablement dans les prochaines années, analysant les thématiques et symboles de ce groupe d’amis hétéroclites (c’est peu de le dire) composé d’une rock star ratée et éternel adolescent, d’un (ex) psychologue égocentrique, un concepteur infographique hyper ambigüe sexuellement et un ex travailleur de la volaille/ex commis dans un magasin de BD/commis de bureau (qui veut être bédéiste) menteur et un peu lâche. Sans compter ces blondes hyper castratrices dont la manipulatrice, autoritaire et extra-terrestre (?) Lyne-la-pas-fine qui aura marqué l’imaginaire québécois.

La série aura profité de plein de conjonctures qui la favorise, cette série qu’on pourra mettre dans les séries phares de la première décennie des années 2000: une mentalité de la société d’État qui aura favorisé (du moins, jusqu’à aujourd’hui) les séries qui sortent de l’ordinaire, un casting exceptionnel, une trame sonore qui résonne encore dans nos oreilles, une réalisation maîtrisée et un tandem d’auteurs formidables qui, on l’espère, retravailleront à un autre projet un jour que ce soit à la télé ou au cinéma.

Comme je le disais quelques lignes au-dessus, les Invincibles auront profité d’un changement d’attitude de la SRC qui a voulu être plus novatrice en termes de fiction. On les remercie encore, il va sans dire. Cependant, avec la fin des aventures de nos héros ce soir, on se demande si ce n’est pas toute une époque qui va tomber avec New Big City. Car, on le sait, le charmant ministre Moore – alias celui qui ne sait même pas identifier un pillier du cinéma canadien anglais comme Atom Egoyan ou Guy Laliberté – a décidé que la télévision canadienne nivellerait par le bas en mettant la télé publique dans le même bas de laine que la télé privée et en décrétant qu’on ne subventionnerait que ce que les Canadiens veulent voir. Bon, je sais que c’est une explication très simpliste, mais ça ne prend pas des longues thèses pour expliquer la décision de Monsieur Moore. Et ça veut dire quoi subventionner juste ce que les Canadiens veulent voir ? Se fier seulement aux cotes d’écoute ? Parce que si c’est ça, préparez-vous alors à des émules de la Poule aux Oeufs d’or à la SRC et à Télé-Québec. Et ça, c’est triste.

En tout cas, ça sera notre dernière visite à New Big City en compagnie de Capitaine Liberté, Psyro, Magellan et Phantoman… Et je ne crois pas qu’il y aura une autre série dramatique qui fera bloguer en direct comme l’a fait Martin Petit la semaine dernière et il le fera encore ce soir.

Bon, hé bien, bonne finale ! Je glisserai un mot là-dessus demain !

Le billet du jour: Je trouve ça bien plaisant les nouvelles planches de “Mon petit nombril”. Avec ses réflexions amusantes, une grosse case pour résumer plein de bonnes questions… Tellement bonnes que franchement, il me bouche. J’arrive plus à commenter sur son blogue.

Je sais, je déroge un peu de ma résolution de ne pas écrire avant le début de la semaine prochaine. Mais en ce premier billet de l’année 2009, je ne pouvais pas ne pas parler du Bye Bye de Véronique Cloutier… ma foi, pouvons-nous appeler ça un Bye Bye ?

Là, je vais tenter d’être gentil… Je comprends qu’avec toute la mer… qu’ils ont eu après le “Ceci n’est pas un Bye Bye” où, entres autres,  Louis Morissette est devenu persona non grata à TVA, ils ne voulaient pas trop faire de vagues mais là… Pourquoi appeler ça un Bye Bye si on égratigne pas un peu les événements de l’année dernière ? Et puis, tous ces numéros de variété… Argh ! Si je voulais un show de musique, je serais allé voir du côté de Studio 12, pas le Bye Bye ! Pourquoi Véronique Cloutier se sent obligé de toujours faire des simili “Fureur” dans ces shows de variétés ? On regretterait-tu d’avoir quitté le boulot à l’époque ?

Attention ! Tout n’était pas mauvais ! Je dis ça avant qu’on m’accuse encore d’être un petit envieux (parce qu’au Québec, tu ne peux pas critiquer une personne sans passer pour un envieux, allez savoir !). Car non, je ne suis pas déçu du Bye Bye à cause que, on sait ben, j’ai fait quelques textes là-dessus et gna gna gna… Non. Au contraire, je me disais que mes petits textes ne seraient rien à comparé à la grosse machine Radio-Canadienne, insignifiants au possible. Finalement, même avec une grosse machine…

Mais bon, soyons bons princes et faisons les plus et les moins de ce Bye Bye:

Les plus

• Le palmarès des chansons parodiant des chansons de l’année
• Les zoufs olympiques (Patrice Bélanger en Michel Villeneuve= pareil ou presque)
• Les segments Jean-François Mercier/Louis Morissette particulièrement le “pétage de coche” de Mercier sur le ROC qui a voté pour Harper
• “L’hystériose” : parodie de film d’armée par rapport aux fromages québécois et aussi les vignettes pour aller et en revenant des commerciaux

Les moins

• Trop de variétés quand on s’attend à une revue HUMORISTIQUE de fin d’année (exemple le plus flagrant: Lost Fingers et Michel Louvain… Rien en particulier contre eux, mais mon Jour de l’An se serait bien passé de la Dame en Bleu)
• Encore une fois, Véro fait pratiquement tous les rôles féminins dans les sketchs (particulièrement les sketchs musicaux…)
• Les maquillages affreux (exemples: Véro en Céline = ça ressemble… mais pas tout à fait et Louis Morissette qui ne ressemble en rien à Stephen Harper…)
• Le sketch sur Denis Lévesque et Barack Obama: tellement de mauvais goût et pas drôle que ça en était gênant. Une chance que François Maranda se débrouillait en Denis Lévesque…
• L’inégalité des gags et du ton : on passait du trop gentil à, exemple,  un gag de Vincent Lacroix qui se faisait déchirer le trou de – vous savez quoi – en prison.

Bref, grosse déception. J’ai hâte de voir ce qu’on en dira ou ce que vous en aurez pensé. Mais c’est drôle hein, je ne sens qu’il y aura un Bye Bye 2009 avec Véro… M’enfin ! Et, oui, je sais. C’est très dur faire un Bye Bye et “essaie donc d’en faire un pour le fun le smatte” que vous me direz. J’en suis conscient. C’est pourquoi je n’ai pas pris le ton baveux que j’aurais pu facilement prendre, mais qui n’aurait servi à rien. N’empêche qu’en temps que téléspectateur, j’ai été plus que déçu ce soir (même si je ne m’attendais pas à grand chose, c’est dire !). On s’ennuie de RBO en s’il vous plaît (pour ne pas dire autre chose) !

Verdict du Satellite: 5,6/10

Mais bon, bonne année quand même !

Bon, la rentrée automnale en télévision est moyenne cette année. Mais il y a une émission qui revient et que j’adore, je craque, j’achète (quoique non pas vraiment, car je n’ai pas les coffrets DVDs, mais éventuellement, je les prendrai) : c’est la série “Les hauts et les bas de Sophie Paquin”. Non pas parce qu’il y a un gai dedans, mais à cause du génie inventif de l’auteur Richard Blaimert. Sérieusement, dans les débuts de ce blogue, on m’a accusé d’être jaloux de Fabienne Larouche. Je suis parti à rire. Entre elle et Richard Blaimert, je suis bien plus jaloux de ce dernier. Mais je ne lui souhaite pas de malheur, j’aime trop ses personnages complètement fous. Je ne sais pas où il va chercher ça, mais j’adore. Et l’univers de Sophie Paquin est son œuvre la plus riche, la plus colorée, la plus rafraîchissante qu’il ait écrite. Franchement, je suis complètement vendu et vous pouvez être certain que je vais suivre le deuxième épisode de la troisième saison ce soir à la SRC.

Par contre, si on parle rentrée télé, la Grosse Vie de Normand Brathwaite… Oh boy ! C’est rare que je fais ça, mais j’ai lâché avant la fin du premier épisode. Habituellement, je laisse toujours une chance à une série, mais là non… Sérieusement, quelle sitcom NULLE ! Les dialogues tombent à plat, les personnages sont ultra unidimensionnels, tout le monde surjoue (y compris des acteurs de métier que je ne pensais jamais qu’ils pourraient surjouer de la sorte – genre Gilles Renaud). À côté de ça, Roxy a l’air d’un classique. Au moins, la sitcom avec la blonde abitibienne s’en sort avec un peu de dynamisme à défaut d’originalité. Mais là, dans Grosse vie, même le public (ou les rires en cannes) a l’air de se dire : “Qu’est-ce qu’on fait ici ?” C’est drôle, je ne souhaite sens pas une deuxième saison pour la série.

Je vais faire une courte critique d’un must, d’une excellente mini-série (je dirais plutôt un téléfilm divisé mais bon) qui est sortie en 2005/2006, diffusée sur HBO, Angels in America. Si vous êtes un progressiste qui n’avez pas de problèmes avec l’homosexualité et qui êtes intéressés par des tirades théâtrales, courez vous procurer (ou louer) cette oeuvre géniale que j’ai dû voir 3-4 fois minimum. Par contre, si vous êtes comme Nathalie Elgrably et que vous croyez dur comme fer que Wall-E est une attaque comme l’humanité, laissez faire ! Vous n’aimerez pas ça !

Oh ! Je vois mes amis athéistes frissonner : “Yeurk ! Ça doit être une oeuvre hyper chrétienne avec un nom comme ça.”  Je dois dire à votre défense que plusieurs chrétiens de la droite crurent la même chose… et restèrent stupéfaits et choqués de voir alors deux hommes se tenir la main, au lit, qu’on parle de SIDA, de scepticisme face à la religion et d’une critique du gouvernement Reagan. Sans tout décrire (oubliez ça, ça serait trop long), l’histoire se passe dans les années 80, les “superbes” années du gouvernement républicain de Ronald Reagan et aborde des histoires qui vont s’entremêler: l’histoire d’un couple gai dont l’un est atteint du SIDA, un couple de mormons dont l’homme est un homosexuel refoulé et elle est un peu… Je ne dirais pas folle, mais disons porté sur les Valiums. Finalement, on suit aussi le célèbre avocat Roy Cohn qui était un avocat gay (qui évidemment se cachait de l’être) et qui apprend aussi être atteint du SIDA. Tout cela avec un fond de fantaisie et des soi-disant “anges”… L’histoire est basée sur la pièce de théâtre de Tony Kushner (qui l’a adapté aussi pour la mini-série) et est divisée en 6 chapitres qui font en tout 6 heures… Oui, je sais, 6 heures c’est énorme ! Mais quel bon 6 heures qui bien que se passant dans les années 80 fait tellement écho à nos années contemporaines. Par exemple, les anges dans cette œuvre disent que Dieu les a abandonnés, qu’inspiré par les humains et leurs progrès et migrations, il est parti en voyage on ne sait où. Le principe voulant qu’à chaque progrès de l’être humain, il y a des tremblements de ciel. Donc, les anges disent : “Arrêtez de bouger ! Revenez en arrière ! Défaites tout jusqu’à ce Dieu revienne !” Ça ne vous fait pas penser au discours d’une certaine branche de la droite ça ?

Le casting est excellent (allô Al Pacino en Roy Cohn, entre autres), la musique de Thomas Newman épouse parfaitement le ton de l’oeuvre et la réalisation de Mike Nichols, bien que loin d’être spectaculaire et un peu lente, est très efficace. Faut dire qu’on ne s’ennuie pas car les dialogues sont à tomber par terre ! L’oeuvre est aussi pleine d’espoir (sans tomber trop dans le “happy ending”, elle finit bien) et bien qu’elle s’attaque beaucoup aux côtés conservateurs de l’Amérique, la critique reste intelligente, pleine de nuances et quelque part, à la fin, on se dit qu’il y a des anges en Amérique. Ce n’est pas vrai que TOUS veulent un statut quo affreux qui ne même nulle part. Y a des citoyens en quête d’un nouveau souffle en Amérique et dans le monde. En tout cas, y en a au moins un qui a écrit cette oeuvre magistrale. Je vous laisse avec un petit extrait que j’ai traduit (même s’il y a traduction française sur les DVD ), c’est Belize, infirmier noir, qui parle à Louis, un grand amant de l’Amérique:

Je hais l’Amérique Louis. Je hais ce pays. Ce n’est rien d’autre qu’un ramassis d’idées, de gens qui crèvent et de gars comme toi. Le connard blanc qui a écrit l’hymne national savait ce qu’il faisait en mettant le mot “free” (liberté) sur une note si haute que personne ne pourrait la chanter. C’était délibéré. La liberté sonne comme une fausse note dans ce pays.

Verdict du Satellite: 9.8/10. À voir, voir, voir et revoir encore ! (Ben là, pas nécessairement autant de fois d’affilée, c’est tout de même 6 heures ! )

LA Times (source)

À la demande générale de lavoudon et du Célibataire frustré… Ouais, OK, juste 2 personnes, c’est pas à la demande générale, mais bon, j’avais dit que je le ferais. Alors, je suis allé voir hier, 10 ans après la première tentative de X Files au cinéma, X Files: Je veux y croire. Et puis… ? Hum… C’est complexe mes sentiments à l’égard du film. D’un côté, quel ne fût pas ma joie et mon bonheur de revoir pour 1h45 Mulder et Scully à nouveau ensemble. De l’autre côté, ceux qui s’attendent à une orgie de surnaturel seront très déçus. Ah, il y a clairement des trucs inexpliqués dans cette affaire, mais ils sont subtils et plus ou moins expliqués. Mais bon, je reviendrai sur ce point. Avant tout, je dois expliquer… J’ai écouté TOUS les épisodes de X Files, j’ai toutes les saisons en DVD (les 9 !), j’ai le premier film et je les ai écoutés en français et en anglais (c’est une des rares séries que Fox a sorti avec une piste française sur les DVD ! C’est dire !). Je ne dis pas ça pour me vanter, il y a des “X philes” encore plus connaisseur que moi, mais pour tout d’abord prévenir qu’il est possible qu’il y ait quelques “spoilers” (ou dévoilements en français) d’intrigues provenant de la série et aussi, parce que contrairement à beaucoup de critiques (surtout au Québec) qui ont dit des choses qui m’ont fait hurler de rire, je sais de quoi je parle. Contrairement à eux, je n’ai pas écouté deux ou trois épisodes en croix.  Alors quand je les entendais dire que ça ne dépassait pas quelques “stand alone” de la série (épisodes sans lien à la conspiration entre gouvernement secret et extra-terrestres), j’ai pouffé de rire ! Également, lorsque je parlerai d’épisodes, je mettrai leur nom en anglais. Pourquoi ? Premièrement, parce qu’il est arrivé que les traductions au Québec et en France n’étaient pas les mêmes (on a juste à voir le nom du film au Québec et en France pour voir les différences) et aussi car il est plus facile de trouver des informations sur ces épisodes en cherchant avec leur nom anglais que français. De plus, je mettrai en parenthèses les chiffres suivants, par exemple (1.10). Cela veut dire que l’épisode dont je parle est le dixième de la première saison. Le premier chiffre est la saison et le deuxième, le numéro d’épisode.

Scully & Mulder: Où ils en étaient à la toute fin ?

Bon, évidemment, ceux qui ne se sont pas rendus jusqu’à la toute fin de la série (ce n’est pas un reproche) seront restés l’air bête en voyant le film : Hein ? Scully & Mulder ne sont plus au FBI ? Hein, Mulder est recherché par le FBI ? Effectivement, à la toute fin de la série, lors de The Truth (9.19/9.20), Mulder est poursuivi par le FBI pour le meurtre d’un homme qui ne peut mourir (je n’irai pas plus loin pour ne pas trop en révéler) et Scully se sauve avec Mulder. Mais quoi, ils sont ensemble ? Oui… et non. Chris Carter (le créateur de la série) et Frank Spotnitz se sont amusés à faire une relation où on ne sait pas si oui ou non ils sont ensemble. Néanmoins, on les a vus s’embrasser dans des épisodes comme Millenium (7.05) ou Existence (8.21). De plus, on sait qu’ils ont passé une nuit ensemble dans all things (7.17). Néanmoins, ils ne sont pas un couple à proprement dit… Certains ont dû sursauter quand les deux ont parlé d’un certain William… Un fils pour Mulder & Scully ? Surprenant, puisqu’on n’avait appris dans la série que la jolie rouquine était stérile dû aux expériences faites sur elle durant son enlèvement lors de la deuxième saison. Hé bien, on apprend dans Per Manum (8.08 ) qu’avant que Mulder se fasse enlever par des aliens dans Requiem (7.22), que Scully a demandé à Mulder sa semence pour tenter une fertilisation in vitro. Ainsi, naîtra bébé William (8.21). Malheureusement, ce bébé miraculé et avec pouvoirs – presque une symbolique non subtile de Jésus – ne connaîtra pas longtemps son père qui se terrera dans le désert toute la saison 9 pour le protéger… sauf que trop de dangers auront forcé une Scully atterrée à le donner en adoption dans l’épisode William (9.17). C’est pourquoi ils en parlèrent aussi tristement. Donc, on retrouve les deux ex agents du FBI comme ça dans le film: Mulder est reclus et seul Scully sait où il réside. Elle est médecin dans un hôpital chrétien et travaille en pédiatrie (pour pallier la “perte” de William ?). Puis, deux agents quémandent l’ex agent Mulder habitué aux affaires non classées… Un ancien prêtre pédophile aurait des visions sur des enlèvements inexpliqués. Pour Scully, c’est la catastrophe: après 6 ans de répit, il faut qu’on rechasse des trucs surnaturels ? Elle n’a pas le goût de s’y attarder, surtout avec un enfant qu’elle veut sauver d’une maladie incurable.

Je veux croire qu’il y ait du surnaturel

Nous nous arrêterons là pour la description de l’histoire en tant que telle. Ne dévoilons pas des surprises… Néanmoins, comme je le disais plus haut, pour ceux qui s’attendaient à une grosse histoire surnaturelle folle (genre vampire, loup-garou, etc.), vous devez oubliez ça ! Ici, une grosse partie du film s’intéresse à la quête des deux personnages principaux, leur foi respective qui s’entrecroise, s’entrechoque mais finit par leur servir à tous les deux. Ah le surnaturel est là, mais il est invisible et d’une subtilité qui ne sera jamais même totalement expliquée (ce qui pourrait laisser certains sur leur appétit). Ainsi, par exemple, les fameuses visions du Père Joseph ne sont jamais vues par le spectateur… Cette ligne éditoriale prise ici va un peu à l’encontre de la série où on voyait bien avant les agents le (ou les) phénomène(s) surnaturel(s) en cause. Or, ici, un peu dans la lignée d’un “Sixième Sens”, on ne comprend (comprendre est un grand mot) qu’à la toute fin ce qui s’est passé comme phénomènes… Par contre, cette lignée éditoriale emmène une idée intéressante, celle de tester la foi des spectateurs. En effet, avec un film sur la foi (pas avec un “f” majuscule), Chris Carter demande au spectateur: “Croyez-vous que le Père Joe a des visions ? Croyez-vous qu’il s’agisse d’une affaire surnaturelle ou pas ?” S’il laisse des indices comme les yeux qui saignent, on peut être portés à dire que finalement, ce n’est peut-être pas une affaire non classée… ce qui est évidemment, une erreur !

Alors, c’est bon ou pas ?

En fait, il est facile de souligner les défauts du film en partant. Tout d’abord une lenteur qui va en contraste avec le premier film et beaucoup d’épisodes, une musique peu présente et un phénomène paranormal plus ou moins bien expliqué qui nous laisse sur notre appétit. La réalisation est correcte, sans impressionner non plus, on filme beaucoup de paysages d’hiver: on voit que le film a été tourné à Vancouver au mois de décembre dernier… Alors, ceux qui veulent se donner une idée de quoi aura l’air les paysages des Jeux Olympiques d’hiver de 2010 n’ont qu’à regarder ce film pour se donner une idée. Par contre, avec le recul, si on conçoit qu’il s’agit moins d’une enquête de paranormal, ni d’un thriller hyper palpitant (pas un coup de feu tiré et pas une explosion durant le film), il s’agit tout de même d’une enquête mystérieuse qui doit être lente car on doit reprendre où sont les personnages et leurs quêtes. Quant aux musiques, oui, elles sont moins présentes que dans beaucoup d’épisodes, mais lorsqu’on les entend, les compositions de Mark Snow sont très intéressantes. Puis, il y a tout de même la joie de revoir Mulder & Scully se confontrer de nouveau à une enquête (sans parler d’un caméo surprise) et dont la chimie semble toujours aussi bonne malgré 6 ans sans avoir joué les personnages.

Est-ce que le film aurait pu être mieux ? Forcément ! Mais est-il plus mauvais que bien des épisodes ? Évidemment, ça ne bat pas des épisodes “stand alone” palpitants comme Wetwired (3.23) ou Detour (5.04), mais peut-on vraiment être plus ennuyé que lors d’un The Field Where I Died (4.05) où on voit un Mulder pathétique pleurer sans arrêt de ces souvenirs qui remontent à la guerre de Sécession ? Ou que penser de Teso dos Bichos (3.18 ) et ses minous tueurs tellement ridicules que même les deux agents semble se marrer d’une situation aussi absurde ?  Peut-on vraiment dire que ces épisodes, et j’en passe, surpassent ce film ? J’en doute… Bien sûr, le rythme y est plus accru. Normal, ils devaient faire un début et une fin en 44 minutes ! Or, ici, on permet aux personnages de prendre le temps d’évoluer. Non, moi, je blâme bien plus les deux scénaristes d’avoir ramené l’idée que Mulder est toujours obsédé par sa soeur Samantha (enlevée par des extra-terrestres, entre autres…). Mon coeur de fan sursauta lors de cette réplique e Scully qui accusa Mulder d’être encore obsédé par sa soeur : “Quoi ?! Pourtant, il avait réglé la question avec Closure (7.11) où on a su ce qui s’était passé de la pauvre soeur de Mulder !” Dieu merci, ce n’était qu’une réplique dans le film… mais, il va falloir qu’on me l’explique celle-là…

Verdict du Satellite: 8.2/10. Ce n’est pas un film qui passera à l’histoire, mais qui est fort intéressant à analyser un peu de temps après l’avoir vu… Intéressant à revoir aussi une fois qu’on sait le mystère qui se passe et les indices donnés durant l’enquête. Bref, j’ai hâte de l’avoir en DVD qui sera en version non censurée et plus longue et j’imagine qu’il y aura des commentaires des scénaristes Spotnitz et Carter pour nous expliquer certains détails de leur scénario plutôt étrange… c’est peu de le dire.

Dernier film que je suis allé voir avec mon ami qui est parti à Chibougamau, c’est celui-là. Il vient de sortir au Québec et il voulait le voir car il se doutait bien que ce film ne serait pas présenté là-bas. De plus, il avait bien aimé le roman duquel il est adapté. Mais qu’est-ce que 99F? C’est l’histoire d’Octave, un publicitaire franchement antipathique. Il faut le dire, le gars se prend pour Dieu. Comme il le dit lui-même, il a réussi à faire entrer dans nos cerveaux mous de consommateurs l’idée qu’acheter tel truc ou un autre, c’était nous rendre heureux. Alors, le gars plane: il y a drogues, argent et filles comme il le désire. Sauf qu’Octave se remet soudainement en question. Deux événements en sont responsables: la belle Sophie dont il a le béguin et Madone, une compagnie de yogourt, qui se met à contester le premier concept lancé par Octave et pour le remplacer par une merde de publicité (comme on en voit souvent). Cela aura des répercussions graves sur l’homme qui fera tout pour sortir de la prison où il s’est enfermé…

Bon, le pitch est pas mal et le roman de Frédéric Beigbeder avait, à l’époque, frappé fort. Sauf que depuis, on le sait que tout est faux dans la pub, des reportages sous les dessous terrifiants de la pub, il y en a eu pas mal. On le sait qu’elles sont pitoyables la majorité du temps parce que le client préfère les classiques qui marchent à l’audace en pub. Tout ça, on le savait. Alors, déjà, le film arrive avec une critique intéressante, mais un peu trop tard. De plus, il y a beaucoup, mais alors là, BEAUCOUP de drogue utilisé dans le film. Bon, le film n’en fait pas l’apologie (au contraire, on finit par comprendre que la coke peut nuir à une situation déjà mise à mal), mais ce qui est dérangeant, c’est que par moments, on ne sait plus si on est dans une hallucination ou la réalité. On se croirait dans Fear and loathing in Vegas de Terry Gilliam. La réalisation de Jan Kounen est hallucinante: visuellement, c’est impressionnant. Autant certaines prises ressemblent à de superbes scènes de Fight Club et le film a des images fortes (la direction photographique dans les lieux, les “pubs” parodiées ou non, les plans…), autant la direction d’acteurs est… moche. Sérieusement, s’il n’y avait pas Jean Dujardin autour duquel le film tournerait, ça serait très pauvre. On surjoue sans arrêt comme pour dire : ”Regardez, mon personnage représente ça.” Même Dujardin en fait trop et s’il est merveilleux quand il craque ou quand il dénonce, il est pitoyable quand il savoure sa prison dorée. Déjà que le personnage se doit d’être imbuvable, il trouve le moyen de cabotiner, d’être un sous “Brice de Nice” qui se croit intelligent. Mais bon, contrairement aux autres acteurs, il les surpasse tous.

Bref, bien que j’aie passé une soirée agréable en groupe avec mon ami et d’autres pour souligner son départ, le film était plutôt décevant. La (les) fin(s) est/sont longue(s)… mais longue(s)… En fait, malgré toutes les images, les scènes surréalistes et le côté sarcastique qui dit: “regardez comment le milieu de la pub vous oblige à surconsommer, est artificiel et pourri”, on s’ennuie. On s’ennuie parce que ni le sujet ni personne dans les personnages ne nous touchent vraiment, ils peuvent tous mourir qu’on en aurait rien à faire. C’est horrible de dire ça, mais c’est malheureusement ce que j’ai ressenti en écoutant le film. Tout ça, pour, finalement un message non subtil sur un écran noir où nous dit que 500 milliards de dollars sont dépensés dans la pub chaque année et que, selon l’ONU, si on utilisait seulement 10% de ces sommes, on règlerait la faim dans le monde ou presque. Bref, quelque part, j’aurais peut-être préféré un documentaire sur la pub par Errol Morris, Michael Moore ou Paul Arcand à la place. Ça aurait été aussi subjectif, mais probablement plus drôle et intéressant.

Verdict du Satellite: 5.6/10. Film visuellement impressionnant, mais dont la critique du monde de la pub ne nous rentre pas autant dedans que le livre l’avait fait. À voir peut-être en DVD, mais après un visionnement, vous aurez eu votre dose.

Je parlais d’écriture avant-hier et s’il y a un film qui parle bien de l’obsession de l’écrivain, c’est le film Capote avec Phillip Seymour Hoffman qui a remporté le prix du meilleur acteur en 2006 pour sa performance hallucinante du célèbre écrivain Truman Capote. Il n’imite pas l’écrivain, il est possédé par lui carrément. J’ai vu le film deux fois : une fois en version originale en DVD et aujourd’hui à Télé-Québec (d’ailleurs, je suis surpris, la version française n’était pas si mal… pas aussi bonne que la version originale mais quand même). Le film décrit toute la recherche et le processus d’écriture de son chef-d’oeuvre, De sang froid, un roman réalité basé sur le quadruple homicide d’une famille du Kansas. Au fil de ses recherches obsessives, il se lie d’amitié solidement avec Perry Smith, un des deux meurtriers. Il faut dire qu’il se reconnaît en lui, il aurait pu faire les mêmes choses car tous les deux ont eu une enfance trouble. Sauf que lui est devenu un écrivain flamboyant, bête sociale et populaire alors que ce jeune homme est devenu un assassin qui finira pendu. Le livre prendra tellement toute son énergie et le videra de ses forces: ça sera la chimère qui le tuera. Déprimé, vidé et plongeant dans l’alcool sans jamais s’en sortir (malgré des tentatives de réhabilitation), il mourra à peine un mois avant ma naissance en août 1984 de complications liées à son alcoolisme.

Bref, je voulais vous convaincre de un, voir l’excellent film (juste la performance de Hoffman vaut à lui seul le coup d’oeil, la subtilité de son jeu derrière ses yeux bleus perçants) et de deux vous donner l’exemple à quelle point l’obsession d’une bonne histoire pour un écrivain peut le mettre dans tous vos états. Autant il y a une euphorie, autant il peut y avoir des moments de déprime profonde. C’est vraiment intense. Je ne saurais vraiment l’expliquer. Une fois que tout est mis en place, que la recherche (s’il y en a besoin) est faite et que vous avez placés les pions de votre histoire dans votre tête, vous perdez le sens des réalités et vous écrivez jusqu’à une fatigue mentale. Puis là, vous faites autre chose carrément pour mieux y revenir. C’est dément à quel point il y a presque une perte de conscience de soi. En écrivant de la fiction, on finit par se laisser aller par les personnages et eux seuls guident les conversations. Au point qu’on se relit et on se dit: “Hein ? J’ai écrit ça ?” Ça a l’air dément, hein ? Mais c’est ça. Bon, par contre, je n’ai toujours pas répondu à la question que Pascal (auteur du blogue que je “plogue” trop mais je suis trop passionné pour arrêter, Mon petit nombril) m’a posée lundi… J’y répondrai demain ou après-demain. Là, je vais me reposer.

Ouh, en passant, Verdict du Satellite pour Capote: 9.5/10. C’est formidable. Malgré une certaine lenteur du récit, on ne s’ennuie jamais et on est fascinés par la performance du génial Phillip Seymour Hoffman et par le personnage de Truman Capote. Un écrivain ouvertement homosexuel dans les années 60 d’ailleurs, ce qui étonne (bon, c’était “permis” pour la gent artistique de l’époque mais habituellement il fallait être tout de même discret dans ses relations).

Parce que c’est le début d’un nouveau mois, je vous offre un deux pour un de critiques de cinéma. Wow ! “Arrête, Satellite, c’est trop !” Je sais, je sais, je suis comme ça. Bon, sérieusement, je vous propose deux critiques de deux films québécois diffusés récemment sur une chaîne qui commence par Radio-C… J’en dis pas plus. Faudrait pas que vous deviniez la chaîne. Alors, aujourd’hui, deux films qu’on dit “d’auteur”, ce qui ne veut pas dire “ennuyants” en passant.

Bon, parlons tout d’abord de la Neuvaine de Bernard Émond. Ce film qui est le premier d’une trilogie de films indépendants sur trois valeurs de la théologie (la foi avec celui-ci, l’espérance avec son récent Contre toute espérance et la charité dans un futur film à venir). Bon, alors, au départ, je vous avoue que je n’étais pas sûr de vouloir voir ce film. Moi tomber dans une morale du style: “Si on avait tous la foi catholique, le monde se porterait mieux”… Non, merci. Mais, au contraire, la foi est exprimée ici non seulement d’une façon catholique, mais en général. La foi en la vie, les gens. L’histoire est celle de Jeanne, urgentologue, qui est bouleversée par un événement traumatisant dont elle croit être responsable. Alors qu’elle désire mettre fin à ses jours, un jeune homme prénommé François vient à sa rencontre. Au contact de ce jeune homme croyant qui fait une neuvaine pour sa grand-mère malade, celle-ci viendra à avoir un autre éclairage sur sa vie. Particulièrement, quand celui-ci lui demandera de l’aide pour sa grand-mère. Bon, prévenons tout de suite : le rythme de ce film est lent. C’est un peu comme un voyage à l’église ou dans une cathédrale: peu de mots, ceux-ci toujours bien pesés, on admire les images et on écoute chaque son en réfléchissant. Bref, ceux pour qui il doit y avoir un rebondissement à chaque cinq minutes, vous oubliez ça. Vous allez décrocher juste après la première demi-heure qui est longue, fait de longs silences et où on tente d’en apprendre plus sur l’intrigue. En fait, le film “décolle” (ou devient plus intéressant) quand Jeanne et François se rencontrent. C’est la rencontre de deux êtres profondément malheureux, perdus, seuls. Mais une n’a plus rien à quoi se raccrocher, l’autre a sa foi et l’espérance. Aux esprits mal tournés, la relation entre Jeanne et François ne restera que platonique. Néanmoins, elle aura changée leur vie. Le film est fascinant (bien que le début soit long et la fin… moyenne) et l’interprétation des acteurs Élise Guilbaut et Patrick Drolet est d’une subtilité incroyablement belle et fine. Heureusement car le fim repose sur eux deux… et sur les magnifiques images de Charlevoix en automne (sans parler de la superbe envolée d’oies à Cap-Tourmente). Verdict du Satellite: 8.8/10. Un film à voir pour entrer dans un moment d’introspection intense, mais qui ne fait pas mal.

Le deuxième film est Un crabe dans la tête d’André Turpin. Ça faisait longtemps que j’en avais entendu parler par des amis de Cégep qui l’avait adoré. Donc, quand il est passé hier à la télé, je ne voulais surtout pas le manquer. L’histoire ? Alex est un photographe sous-marin globe-trotter, qui fait tout pour ne pas revenir à Montréal et croiser la femme à qui il n’a pas parlé depuis six mois. Forcé de faire une escale à Montréal, il se mettra à séduire une femme. En fait, Alex, en à peine une semaine, se mettra à charmer toutes sortes d’individus grâce à sa capacité incroyable de contorsion de sa personnalité et la peur incroyable d’entrer en conflit avec qui que ce soit. Il aura jusqu’à charmer la copine de son meilleur et seul ami… Ce qui emmènera son lot de problèmes comme vous pouvez imaginer. Le film est incroyable car il met en scène un personnage dangereux: c’est un caméléon social qui prend l’accent, les expressions orales, l’attitude, etc. Tout pour paraître charmant aux yeux des autres, mais incapable d’être soi-même. En fait, on dirait même qu’il est vide tellement il ne laisse que très peu transparaître ce qu’il est vraiment. Et sa peur irrésolue du conflit va l’emmener à encore plus devenir caméléon. Malheureusement, une vie sans conflits, ça n’existe pas. Et ça Alex va l’apprendre à la dure. Interprétation saisissante de David La Haye qui est bien appuyé par un ensemble hétéroclite de comédiens. Les images sont intéressantes (le réalisateur est un directeur de la photographie connu et continue surtout en tant que directeur de la cinématographie) et un peu troublantes par moment (voir scènes du crabe ici). Bref, je suis très d’accord avec mes anciens camarades de collégial: à voir, à voir ! Verdict du Satellite: 9.3/10. Un film qui incite à réfléchir sur notre besoin d’être aimé de tous.

Bon, ça y est, c’est hier que finissait, en version originale, la quatrième saison des Beautés qui désespèrent. Un spécial de 2 heures qui regroupait 2 épisodes qui clôturaient une saison raccourcie par une grève chez tous les scénaristes américains de novembre à février dernier. Forcément, la finale a laissé un paquet de questions en suspens jusqu’à l’automne prochain. D’ailleurs, ça a créé un énorme débat sur Internet dans les minutes qui ont suivi la fin de l’épisode “Free” (dernier épisode de la saison). Mais bon, je n’entrerai pas là-dedans. Vous la verrez dans plusieurs semaines à Radio-Canada si vous suivez la série. Néanmoins, comme je l’avais dit, je voulais faire une brève critique des quatre saisons individuellement. Bon, AVERTISSEMENT… Bien que je ne dévoilerai pas trop de choses sur l’intrigue des saisons, il reste quand même qu’il peut y avoir des révélations (spoilers, en anglais) dans ma critique. Donc, si vous comptez les regarder un jour, veuillez éviter de lire le reste… Sinon, allons-y !

Première saison – La saison un débute assez fortement alors qu’une femme au foyer, dans un quartier qui semble bien paisible, se met une balle dans la tête dans les premières minutes du show. Ouh ! Déjà, ça sonne louche dans un si “charmant” patelin ! Bref, le suicide de Mary Alice emmène l’idée du show: celle-ci, qu’on ne verra que dans quelques flash-backs de temps à autre, sera la narratrice de l’émission. En effet, maintenant morte, elle sait tout, voit tout et en sait plus que le spectateur qui assistera au fil du temps au dévoilement de secrets qu’elle voyait venir depuis des lunes. On y rencontre ses 4 amies et voisines: Bree, une Républicaine maniaque des apparences et de son rôle de femme au foyer, Gabrielle, une ancienne mannequin délaissée par son mari et qui ne trouve que du bonheur en ayant une liaison avec son jardinier… adolescent, Lynette, une femme au foyer qui a 4 enfants et qui essaient difficilement d’être une bonne mère après avoir laissé sa carrière et Susan, une mère célibataire d’une adolescente et qui se remet lentement de son ancien mari qui l’a trompée en ayant de l’oeil sur un charmant plombier qui vient de s’installer en face… Sans parler de la plantureuse Edie qui ira semer le trouble, bien sûr, en tant que bombe blonde du quartier. La saison tournera donc beaucoup autour de la tromperie, du rôle de mère (que seule Gabrielle n’a pas), de la pression que ces femmes se donnent pour plaire et être parfaite et, surtout, de tout le mystère qui entoure le suicide inexpliqué de Mary Alice, la lettre de chantage qu’elle reçut et les secrets de Mike, le charmant plombier qui vient de s’installer à Wisteria Lane. Ce qui est intéressant dans cette première saison, c’est l’humour noir et à double sens qui persiste tout le long de la série. On oscille toujours le soap opéra et la comédie noire, ce qui fait qu’on rit beaucoup plus qu’on ne pleure (et que la série s’inscrit comme “Comédie” dans les galas). Les personnages qui semblent hyper stéréotypés au début prennent au fil des épisodes des couches de profondeur qu’on ne soupçonne pas. Sans parler du mystère de Mary Alice qui glace le sang quand on finit par savoir, à la fin de la saison, tous les rouages. Bref, la première saison fait grande impression et a laissé quelques scènes classiques dans son sillage. Verdict du Satellite: 9.4/10

Deuxième saison – Oh… Celle qui a failli me faire lâcher la série. Autant la première est marquante de par son juste équilibre entre comédie et drame, autant cette saison tourne davantage vers le drame et c’est par moment ennuyeux. On retrouve la bande de Wisteria Lane qui se remet à peine de toutes les révélations sur Mary Alice qu’une nouvelle famille emménage dans le quartier: une mère noire et son fils (Je spécifie le noir parce que le quartier est très “ice cream”, c’est-à-dire blanc. Néanmoins, on ne parle pas de racisme dans la saison, d’ailleurs, personne ne fait vraiment remarquer qu’ils sont noirs.) Ceux-ci emmènent avec eux de terribles secrets qui bouleverseront le quartier… Ainsi, le mystère de la deuxième saison sera tourné autour de cette famille, mais aussi de la relation houleuse entre Susan et Mike, Bree qui doit vivre avec la mort de son mari Rex (première mort surprise dans la série) et son fils Andrew qu’on a envie de tuer vers la fin de la saison tellement il est méchant envers elle, Lynette qui reprend le boulot (et Tom, son mari, qui devient l’homme de la maison) et Gabrielle qui est enceinte de Carlos, son mari, en prison pour fraude. Le problème dans cette saison, c’est le manque de comédie noire. Il y en a, mais beaucoup moins et malgré le fait que nos quatre beautés continuent de faire tout pour avoir ce qu’elles veulent, on les sent fragiles… Peut-être trop quand on compare à la première saison. De plus, le mystère des Applewhite est, comment dire, moins intéressant dans la mesure où contrairement à Mary Alice qu’on a quand même vu et que nos héroïnes connaissent, il s’agit du mystère d’une inconnue et sa famille. Ça devient ici seulement un problème de voisinage. Alors, on pousse un soupir de soulagement lorsqu’arrive le dernier épisode de la saison et qu’on sent que la troisième saison reviendra sur un meilleur mystère et plus de comédie noire. Verdict du Satellite: 7.9/10

Troisième saison – Ah, là, on aime ! Probablement, avec la première, la meilleure saison de la série jusqu’à date. On se retrouve près de 6 mois après la finale de la deuxième saison. Mike est dans le coma et Susan, qui veille sur lui, s’amourache d’un charmant Anglais qui veille sur sa propre femme dans le coma elle aussi. Lynette doit apprendre à vivre avec la fille de Tom (qu’il a eu d’une “relation” avant son mariage avec Lynette) et la très excentrique mère de celle-ci (sans parler de l’idée de Tom d’ouvrir une pizzeria et cela emmène un tas de péripéties), l’insupportable Nora. Gabrielle doit gérer son divorce d’avec Carlos et apprendre à vivre seule. Bree, quant à elle, développe une relation avec Orson (qui a frappé Mike délibérément avec sa voiture et ça, seul les spectateurs le savent). D’ailleurs, c’est autour d’Orson que se développera le mystère de la troisième saison. Pourquoi a-t-il fait exprès de frapper Mike à la fin de la saison 2 ? Se connaissent-ils ? Et qui est cette mystérieuse française Monique ? Qui l’a tuée ? Orson ? Bref, dans cette troisième saison, le mystère est définitivement plus intéressant que celui des Applewhite puisqu’il implique le nouvel amoureux de Bree. De plus, l’histoire est relativement tordue, assez noire comme on les aime. Cependant, étrange, mais on finit par connaître la vraie histoire  non pas à la toute fin comme les deux saisons précédentes, mais bien avant (au 15ème épisode sur 23). Il faut dire que l’actrice jouant Bree était alors enceinte de jumeaux et il fallait que le personnage “quitte” la série… jusqu’à l’étonnante finale qui laisse sur le derrière tellement elle est choc. Définitivement, beaucoup d’intrigues se font dans cette étonnante saison qui nous laisse pleinement satisfaits. Surtout après un épisode aussi touchant et bien écrit que Bang (qui aurait dû remporter un Emmy pour son scénario touchant, mais qui réussit à faire rire aussi). Verdict du Satellite: 9.6/10

Quatrième saison – Là, on tombe dans la plus fraîche saison. Si vous avez écouté les premiers épisodes depuis quelques semaines, vous savez ce qui en est: Edie n’a jamais voulu se suicider (contrairement à ce que laissait présager la finale choc de la troisième saison), mais elle tentait de manipuler Carlos pour qu’il reste avec elle, Gabrielle ne veut que retrouver Carlos et laisser Victor, l’ambitieux (voire trop) maire de Wisteria Lane, Susan essaie de vivre sa relation sainement avec Mike qu’elle a épousé, Lynette doit lutter contre un cancer et Bree doit simuler une grossesse pour protéger sa fille et, d’ailleurs, élever le bébé comme le sien. De plus, arrive un personnage important (et franchement délicieux): Katherine Mayfair (que certains appellent un clone de Bree au niveau du caractère et du désir d’être la meilleure organisatrice) qui a vécu anciennement à Wisteria Lane (connue par Mary Alice et Susan) mais a quitté sans crier gare et mystérieusement la ville. Pourquoi, alors, reviens-t-elle ? Et pourquoi sa fille Dylan ne se souvient-elle pas de son ancier quartier, son amie Julie (la fille de Susan) et de son père ? Le mystère reste entier et nul besoin de vous dire que ce n’est seulement qu’hier qu’on a su la véritable histoire lors de la finale. D’ailleurs, le mystère est troublant et s’il n’est pas aussi tordu que celui d’Orson dans la troisième saison, il est très triste et noir. Mes sentiments sur la saison sont bons, mais forcément la grève des scénaristes (très justifiée soi-dit en passant, j’étais pour) a un peu raccourcie certaines intrigues et l’apparition de certains personnages dans les épisodes écrits après la grève qui a finie le 13 février. Néanmoins, on ne s’y ennuie pas (contrairement à la deuxième saison) et d’ailleurs, dans à peu près un mois, vous verrez un diptyque (deux épisodes dont l’intrigue se suit de près) qui a été le plus coûteux de l’histoire de la série. Très impressionnant (et ce sont d’ailleurs les derniers épisodes tournés (donc scénarios finis) avant la fin de la grève). La finale satisfait dans la mesure où on finit par apprendre le mystère de Katherine. Mais, elle surprend de par la dernière minute qui met la table pour une saison cinq surprenante… Comment dire sans trop en révéler ?… Disons qu’il ne se passera pas juste 6 mois entre la quatrième et la cinquième saison. Vous comprendrez en voyant la finale et vous voudrez en voir plus  soit cet automne en anglais ou l’été prochain en français. En tout cas, moi, j’ai hâte d’y voir plus clair. Verdict du Satellite: 9.3/10

Ah, Dans une galaxie !… Souvenirs d’ados car j’ai écouté la série au complet à Canal Famille/Vrak.tv dans le temps. Pas difficile au nombre de reprises de la série qu’il y a eu… Bref, après un premier film très appréciable, je suis allé voir le deuxième hier soir. Bon, je sais, je suis “en retard”. Tout le monde est sur Iron Man présentement, mais bof… Entre les deux, j’ai préféré Dans une Galaxie 2. Et je ne regrette pas ! J’ai énormément ri (peut-être plus que le premier ? quoique…). Il faut dire que, contrairement au premier, le deuxième se focusse énormément sur l’équipage du Romano Fafard. Les personnages secondaires restent très secondaires (sauf peut-être celui d’Alexis Martin qui est un peu plus présent dans le film). Mais leurs petites présences sont très appréciables dont celles d’Edith Cochrane (toujours comique avec ses grands yeux) et Salomé Corbo (ex, d’ailleurs, de Réal Bossé alias Serge) qui fait une brève apparition, mais très soulignée par la suite. Mais peu importe que les apparitions soient brèves pour la plupart, car l’équipe d’acteurs du Romano Fafard est plus que solide. Guy Jodoin (toujours aussi grandiose en Capitaine Patenaude et en plus, il vient de mon coin ! ), Sylvie Moreau (hilarante à bien des endroits en Valence Leclerc, la pauvre psychologue), Mélanie Maynard (savoureuse dans des moments de “bitcheries” avec sa Pétrolia Stanislavski), Claude Legault (touchant Flavien aux divers effets spéciaux car extra-terrestre), Didier Lucien (qui joue un Bob avec plusieurs couches que juste la niaiserie et ça, c’est très bon) et Réal Bossé (pissant dans le rôle de Serge, le robot qui a le don de se faire détruire à tout bout de champ).

Cette fois-ci, l’équipage, toujours en quête d’une nouvelle planète, commence à en avoir assez de la “mmmmission” du Capitaine Patenaude et se met un peu à se rebeller contre le capitaine aux cheveux carrés. Les choses virent de mal en pis lorsqu’ils perdent leur dernière sonde sur une planète. S’amorce alors une série de péripéties qui emmèneront peut-être le Romano Fafard vers son destin ultime. Je reste vague car il y a de belles tournures intéressantes dans le scénario. Le scénario est constitué de gags savoureux, plus rapides et subtils que dans le premier film (probablement grâce au nouveau réalisateur Philippe Gagnon qui est un fan fini de la série et qui a voulu d’un film s’en approchant). D’ailleurs, il semble que le projet a eu un plus gros budget – j’imagine – car les effets visuels sont plutôt de bonnes qualités tout en gardant le côté voulu “cheap” qui font penser aux vieux films de science-fiction (voir les premiers Star Trek). Le film se prononce clairement à gauche, on y fait beaucoup de gags anti-ADQ (qui sont TRÈS drôles) et forcément, on laisse un très gros (peut-être trop ?) message environnemental à la toute fin (après tout, cette mission s’est faite à cause de l’industrie chimique et du “push-push en cacanne” qui ont bousillé la couche d’ozone).

Bref, à m’entendre, on croirait le film parfait… Peut-être pas mais ça fait partie des très bons films que j’ai vus. J’y ai trouvé ce que j’ai cherché: un bon film comique, intelligent et au casting attachant. Bien sûr, il y a peut-être des petits défauts (messages trop gros disséminés dans le film, une musique plus ou moins intéressante et des petits effets à la Astérix sur les “non, Brad !” que j’ai trouvés agaçants), mais le film tient non seulement la route et il est très drôle. La question qui reste après le visionnement: y aura-t-il un Dans une galaxie 3 ? Sans révéler la fin, autant la série pourrait finir sur celui-ci, autant rien n’empêcherait vraiment un troisième volet. Comme l’a dit (peut-être en blague) Guy Jodoin: “Si vous êtes plusieurs à aller le voir, peut-être qu’il y aura un troisième volet…” À suivre donc pour d’autres aventures, on le souhaite, du Capitaine Charles Patenaude (suis-je le seul à réclamer un Jutra pour Guy Jodoin au prochain gala pour son rôle ?), Valence Leclerc, Flavien Bouchard, Pétrolia Stanislavski, Bob Dieudonné-Marcellin et de Cherze… Sersse… Serze… Zerche… la canisse avec des fils !

Verdict du Satellite: 9.4/10. Super film drôle, sans longueurs, et qui vous sortira carrément de votre quotidien, c’est garanti ! À voir.

Voici, comme promis, ma critique de Junior, un documentaire sur le hockey junior majeur du Québec. Tout d’abord, je mets les choses au point: je n’ai jamais joué au hockey de ma vie (à part en éducation physique et même pas sur glace). Je patine aussi bien qu’une otarie marche (sans offense pour les otaries !). Donc, je n’ai jamais connu le soi-disant buzz du samedi matin où mon père m’aurait emmené pour mes parties de hockey (quoiqu’il aurait probablement aimé le faire). Je suis capable de regarder du hockey (il y a pire sport à voir disons !), mais je ne me précipiterai pas devant la télé pour un match. Donc, ma vision du sport était – comment dire – plus critique que les fans. Donc, peut-être que ma vision de Junior ne sera pas votre vision du film si vous idolâtrez le sport.

Mais, comment dire, j’ai trouvé que c’était la désillusion du hockey. Moi qui, peut-être mon fond québécois, aurait parfois rêvé jouer au hockey et superbement bien pour qu’on parle de moi en bien à 110%, je suis finalement bien content d’en avoir jamais fait après avoir vu ce film. Tout d’abord, explication sur ce qu’est le film: nous suivons une saison dans la Ligue de Hockey Junior Majeur du Québec. Le focus: les joueurs du Drakkar de Baie-Comeau et leurs entraîneurs, agents, etc. On n’y voit pas la famille ni les blondes, copines, amis; juste l’univers hockey. En fait, même, on ne voit aucune partie de hockey à part, peut-être, lorsque les joueurs regardent leur piètre performance (tentative de leur coach de les brasser) et encore, on focusse sur les visages des joueurs et de l’entraîneur. En fait, le film n’a aucune narration, aucun intervenant ne parle directement à la caméra. C’est du docu-réalité: on a la chance d’assister à des moments auxquels les spectateurs n’ont jamais accès (sauf peut-être dans des fictions et encore…). Bref, on est carrément témoins de divers événements qui ponctuent la saison jusqu’au repêchage de la LNH. Et on se sent privilégié d’assister à de tels moments car c’est vraiment l’envers de la médaille et ouf… Comme je le disais, je n’ai pas senti chez les joueurs le goût de jouer tant que ça.

En fait, ça devient tellement une business à ce niveau: les joueurs sont des pions qu’on échange au gré de nos humeurs et de nos résultats. Certains vont me dire: mais franchement, ils ont pris la pire équipe de cette saison pour leur film. Normal que les joueurs soient coup-ci, coup-ça. Premièrement, ils atteignent quand même les séries donc, pas si nuls et vous avez raison, peut-être, mais comment dire ? Je ne suis pas certain que les résultats auraient été plus probants de joie de vivre avec les Remparts, par exemple, ou les Saguenéens. Vous savez, des fois, je trouve que les joueurs de hockey ont l’air débile: pas capable de s’expliquer, toujours sur la défensive, etc. Mais avec Junior, j’ai compris pourquoi: on les débilise, par bout. T’as, premièrement, les agents (alias les gars qui cherchent à faire la piastre) qui se mêlent des performances des joueurs qu’ils représentent. Mais, comme le dit un des assistants du coach dans le film (je vais éviter les sacres ici): ce sont des notaires (bon, ici, c’est peut-être gros, mettons que ce sont des financiers en tout cas), qu’est-ce qu’ils connaissent au hockey ? Pourtant, Dieu que les joueurs les écoutent et avec raison: ils sont convaincus que ce sont eux (et c’est en partie le cas) qui les emmèneront dans la LNH. Puis, lorsqu’un joueur a des doutes ou n’est pas d’accord avec une décision, on se met à 3, 4 ou 5 adultes dessus pour prendre le dessus et faire passer les idées. Un exemple: dans le film, un des joueurs anglophones de l’équipe allait se faire échanger à l’équipe de l’Île-du-Prince-Édouard. Pour lui, c’était une bonne affaire: plus proche de l’université où il avait appliqué et de sa famille à Halifax. Puis, un coup de téléphone et, finalement, il sera échangé à l’équipe de Chicoutimi et il doit rejoindre l’équipe à Québec le soir-même. Alors qu’il refuse et va dans le bureau de l’entraîneur pour manifester son mécontentement d’avoir à prendre sa décision (et son autobus pour Québec) dans une dizaine de minutes, on le bombarde à 4-5 adultes d’arguments pour s’essayer, y aller, que s’il refuse, il n’aura jamais de chances de continuer dans le hockey, etc. Finalement, après plusieurs minutes, le joueur finit pas décider.

Big deal ! Le garçon a 17 ans et ils sont 4-5 adultes à l’influencer, comment voulez-vous qu’il prenne une décision réfléchie dans ce genre de situation ? Pourquoi pas juste le coach-joueur ? Parce qu’il faut l’influencer à faire ce qu’on veut (et la direction et les actionnaires veulent). Bref, imaginons qu’on sert ce traitement à un jeune homme depuis qu’il a 9-10 ans… pas étonnant, alors, que les joueurs de la LNH aient l’air aussi niaiseux, incapables d’avoir une opinion qui a du sens ! Oh, et il ne faut pas croire que les jeunes hockeyeurs soient blancs comme neige: ils développent aussi la grosse tête – grâce entre autres à des partisans qui les idolâtrent comme des dieux - et, comme je le disais, ils ont entre 16 et 20 ans. Or, entre 16 et 20 ans, on ne veut pas être adulte: on veut fêter, vivre sa vie de jeune. Cependant, c’est incompatible avec la discipline qu’exige le hockey. Alors, c’est la confrontation discipline/faire la fête qu’on voit chez ces jeunes. Pour certains, en plus, on sent qu’on les a poussés à faire du hockey. Parce qu’ils ne sont pas tous hyper motivés comme on le voit. Et on la sent cette pression constante d’atteindre les pros (alors qu’il y a beaucoup d’appelés, peu d’élus) qui vient de partout. Tout d’un coup, j’ai compris aussi pourquoi on ne ressent plus, dans la LNH, l’appartenance à une équipe. Écoute ! Pour eux, tu n’es qu’un pion qui sert leurs intérêts. Ils peuvent alors se dire: “pourquoi je me donnerais à fond pour une équipe qui pense peut-être déjà à m’échanger l’an prochain pour une meilleure option que moi ?”

En tout cas, le film, malgré son rythme lent, est très intéressant. Et ça paraît que ce ne sont pas des hockeyeurs qui ont tourné ça: on voit des joueurs pleurer ! Je n’y croyais presque pas tellement il y a la pression d’être viril dans le sport. Alors,de les voir émus, tristes et déçus à certains moments, ça m’a agréablement surpris. Néanmoins, le film n’est pas parfait et quelques séquences (je pense surtout à celle où on voit l’opération médicale à une épaule d’un joueur) auraient pu être coupées. Par contre, je félicite l’équipe: autant on assiste à tous ces moments intenses et des discussions qui se font habituellent en huit-clos, autant personne ne semble remarquer la caméra. Comme quoi, les participants de télé-réalité ont raison : à force de vivre entourés de caméras, on finit par ne plus les voir.

Verdict du Satellite: 9.1/10. À voir pour avoir l’autre côté de la médaille du hockey junior.